TeatroBasilica, il 12-14 novembre 2026 Il paese dove non si muore mai

Il paese dove non si muore mai, in scena al TeatroBasilica dal 12 al 14 novembre 2026, spettacolo diretto da Alessandro Argnani e Damiano Grasselli e ispirato alle Fiabe Italiane di Italo Calvino.

Una fiaba afro-italiana che, attraverso il viaggio di una giovane donna alla ricerca del paese dove non si muore mai, intreccia culture e tradizioni narrative diverse per interrogarsi, tra ironia e poesia, sulla paura della morte.

Dal 12 al 14 novembre 2026 il TeatroBasilica di Roma ospita Il paese dove non si muore mai, spettacolo diretto da Alessandro Argnani e Damiano Grasselli, ispirato alle Fiabe Italiane di Italo Calvino. Attraverso una contaminazione afro-italiana, la storia di una giovane donna in viaggio alla ricerca di un luogo in cui la morte non esiste diventa un racconto poetico e ironico sulla paura più universale dell'essere umano. In scena Alice Cottifogli, Fallou Diop, Adama Gueye e Moussa Ndiaye. Al termine di ogni replica è previsto un appuntamento del progetto di incontri «Per un teatro transnazionale».

Il paese dove non si muore mai è uno spettacolo costruito attorno alle Fiabe Italiane di Italo Calvino.

Nella contaminazione afro-italiana, la storia si sviluppa attraverso la figura di una giovane toubab (termine senegalese per indicare “i bianchi”) che rifiutandosi di accettare la morte decide di intraprendere un viaggio verso il paese che dà il titolo allo spettacolo.

Nel viaggio la giovane incontra insoliti saggi che tra momenti di ilarità ed altri di malinconica poesia le propongono alternative di longevità. Questi saggi vengono da "un altro mondo", che è l'Africa, ma anche l'Altrove perché questa fiaba si svolge nel tempo del sogno, che è ponte tra mondo e storie. Perché la paura che ci accomuna tutti è una sola: quella che spesso non riusciamo neanche a nominare.

Al termine di ciascuna replica si svolgerà il progetto di incontri "Per un teatro transnazionale", per scoprire il programma completo

https://drive.google.com/file/d/1I2BueDvXpUb1XDTFEUyE2ZaR8j0A9lVh/view?usp=share_link

INFORMAZIONI

Il “TeatroBasilica” è diretto dall'attrice Daniela Giovanetti e dal regista Alessandro Di Murro. L’organizzazione è a cura del collettivo Gruppo della Creta e di un team di artisti e tecnici. Supervisione artistica di Antonio Calenda. Ulteriori info sul TeatroBasilica sono reperibili a questo link: https://www.teatrobasilica.com/chi-siamo

Orari:

Dal lunedì al venerdì ore 21 - sabato ore 19:30 - domenica ore 16:30

Il botteghino è aperto un’ora prima dell’inizio di ciascun evento

Orari:

12 e 13 novembre 2026 ore 19

14 novembre 2026 ore 17

Prezzi: 

Biglietto intero € 18

Biglietto online € 15

Biglietto ridotto operatori € 15

Biglietto ridotto under 26 e convenzioni* € 10

Carnet 7 spettacoli € 70

*Per attivare una convenzione con il TeatroBasilica e riservare i biglietti ridotti a studenti e studentesse delle accademie/scuole/università, mandare una richiesta a info@teatrobasilica.com

Dove siamo:

Piazza di Porta San Giovanni 10, Roma

www.teatrobasilica.com

email: info@teatrobasilica.com

telefono: +39 392 9768519

Link utili

Sito https://teatrobasilica.com/

Facebook https://www.facebook.com/TeatroBasilica

Instagram https://www.instagram.com/teatrobasilica/

Da giovedì 12 novembre 2026 al via "Open Sound 2026" prima edizione della rassegna che esplora le nuove traiettorie della musica contemporanea, al Teatro Nuovo di Napoli

Dare spazio alla musica che ricerca, sperimenta e attraversa i generi, valorizzando le voci più interessanti della scena indipendente e d'autore. Nasce con questo spirito Open Sound 2026, il nuovo progetto del Teatro Pubblico Campano dedicato alla musica dal vivo, una piattaforma eclettica che mette in relazione talenti campani e protagonisti del panorama nazionale attraverso la rete GlocalSound.

La prima edizione, in programma al Teatro Nuovo di Napoli con tre appuntamenti da novembre a gennaio, propone un percorso musicale che dal jazz arriva al cantautorato, passando per le sonorità alternative e la sperimentazione.

Con Open Sound 2026, il Teatro Pubblico Campano amplia il proprio orizzonte culturale e apre una nuova finestra sulla musica dal vivo, riconoscendone il ruolo centrale nella costruzione di esperienze artistiche e occasioni di confronto.

Il progetto nasce con l'obiettivo di valorizzare le energie creative del territorio campano e del panorama nazionale, sostenendo tanto le produzioni emergenti quanto gli artisti già affermati e promuovendo una visione della musica come luogo di incontro, ricerca e condivisione.

Open Sound 2026 nasce, infatti, con l'ambizione di creare uno spazio di incontro tra artisti, pubblico e operatori culturali, dove la musica diventa occasione di confronto, scoperta e condivisione.

Ad aprire il programma, giovedì 12 novembre 2026 alle ore 21, saranno i Fanali, che presenteranno in anteprima live assoluta il nuovo mini album Nu veleno ch’è doce.

Il collettivo napoletano, composto da Caterina Bianco (voce e synth), Michele De Finis (chitarre, basso e programming) e Jonathan Maurano (batteria), porta avanti una ricerca che intreccia musica e immagine, tradizione e sperimentazione, rileggendo il patrimonio della canzone napoletana attraverso le atmosfere del trip-hop, del post-rock e dello shoegaze.

Il nuovo lavoro, che vede la collaborazione di Manuel Agnelli nel singolo Passione, rappresenta il capitolo conclusivo di un percorso di reinvenzione della canzone partenopea avviato con il precedente album Nun me scetà.

Un'identità artistica costruita nel tempo attraverso un approccio multidisciplinare e la collaborazione con l'artista visuale Sabrina Cirillo e il sound engineer Antonio Dafe. Nati dall'incontro artistico tra i tre musicisti, i Fanali si muovono nel solco di esperienze come Calibro 35, C’mon Tigre e Julie’s Haircut, con l'obiettivo di realizzare una vera e propria «musica per immagini».

Il secondo appuntamento, mercoledì 23 dicembre 2026 alle ore 21, vedrà protagonista il PS5 – Pietro Santangelo 5tet con Baccanalia, un progetto musicale che fa della contaminazione e della convivenza tra linguaggi differenti il proprio principio ispiratore. Dopo la pubblicazione di Unconscious Collective (2021) ed Echologia (2024), entrambi usciti per l'etichetta Hyperjazz, la formazione presenta il nuovo EP Baccanalia (2026), pubblicato dalla neonata etichetta napoletana Cafe Saphora Records.

Il disco è una raccolta di danze visionarie che si ispirano all'immaginario della cultura classica, evocando attraverso ritmi pulsanti e canti rituali danze di guerra, cortei di satiri e riti di passaggio e trasformazione. Ne scaturisce un viaggio sonoro intenso, nel quale il jazz contemporaneo dialoga con suggestioni ancestrali, dando vita a un'esperienza musicale che coinvolge il corpo e la dimensione più evocativa dell'ascolto. Le trame dei sassofoni si sviluppano su una solida struttura ritmica, lungo una linea immaginaria che mette in relazione le radici musicali africane e mediterranee.

La ricerca del quintetto parte dall'idea di biodiversità come metafora culturale: proprio come in un ecosistema naturale, elementi apparentemente distanti contribuiscono a costruire un equilibrio dinamico e vitale. Una visione che si traduce in una musica aperta, plurale, in cui multiculturalismo significa innanzitutto convivenza.

Accanto a Pietro Santangelo, al sax tenore e soprano, flauto, voci, fujara e percussioni addizionali, il quintetto riunisce Paolo Batà Bianconcini alle congas e allo shekerè, Giuseppe Giroffi al sax alto e baritono, Vincenzo Lamagna alla chitarra basso e Salvatore Rainone alla batteria.

A chiudere la prima edizione di Open Sound 2026 sarà, sabato 9 gennaio 2027 alle ore 21, Federico Di Napoli, cantautore originario di Aversa, in provincia di Caserta, protagonista di Concerto a teatro. La sua musica affonda le radici nell'R&B degli anni Duemila, ma si sviluppa attraverso un percorso personale che attraversa il pop e le sonorità urban contemporanee, senza rinunciare alla contaminazione.

Dopo il singolo d'esordio Macigno, tra il 2018 e il 2019 pubblica sei brani, tra cui Da mezzanotte in poi, conquistando progressivamente l'attenzione del pubblico e il sostegno della scena musicale napoletana. Nel suo percorso si inseriscono collaborazioni con artisti come Samurai Jay, Livio Cori e Peppe Soks, mentre brani come Mare 'e Bucìe (feat. Livio Cori), Tutto Come Prima e Scuro gli consentono di raggiungere anche la copertina della playlist editoriale Anima R&B.

La dimensione digitale e i social network rappresentano un ulteriore spazio di espressione e relazione con il pubblico, contribuendo alla crescita del suo progetto artistico Un percorso in continua evoluzione, che restituisce l'immagine di un artista interessato a superare le definizioni di genere e a concepire la musica come uno spazio libero, senza etichette, limiti o confini.

Open Sound 2026 inaugura un nuovo percorso dedicato alla musica dal vivo e alle sue molteplici possibilità espressive. Un'occasione per esplorare le trasformazioni della scena contemporanea, valorizzare le esperienze artistiche del territorio e costruire un dialogo aperto tra Napoli e il panorama musicale nazionale.

Open Sound 2026 - I Edizione

12 novembre 2026 ˃ 9 gennaio 2027

Teatro Nuovo Napoli - Via Montecalvario, 16

Info e prenotazioni 0814976267, botteghino@teatronuovonapoli.it

PRESENTAZIONE 16 novembre 2026 GIORGIO MORANDI MARK ROTHKO da un progetto di Franco Calarota a cura di Renato Miracco e Lorenzo Balbi, prefazione di Christopher Rothko

La Fondazione Calarota presenta un dialogo inedito, ma anche lo sviluppo di una possibile mostra, tra due figure fondamentali della storia dell’arte: Giorgio Morandi e Mark Rothko.

La forma scelta per avventurarsi in questo percorso narrativo, visivo e concettuale dai risvolti sorprendenti è quella di un volume di 304 pagine che concretizza un’appassionata riflessione di Franco Calarota, fondatore di ACP Palazzo Franchetti a Venezia e della Galleria d’Arte Maggiore g.a.m. Un’intuizione che Franco Calarota matura nella convinzione che, al di là delle evidenti differenze di geografia, stile e temperamento, i due grandi artisti condividessero una profonda vicinanza spirituale, fatta di silenzio, luce e tensione interiore.

Un dialogo quello tra Giorgio Morandi e Mark Rothko, costruito attraverso una selezione ideale di opere e di concetti e per questo raccontato come una mostra. E proprio perché una mostra necessita di uno o più curatori, Roberta Perazzini Calarota e sua figlia Alessia Calarota - rispettivamente presidente e vicepresidente della Fondazione Calarota - hanno affidato questo inedito percorso a due professionisti che hanno operato in contesti espositivi di rilievo internazionale, agli estremi opposti del panorama artistico contemporaneo: gli Stati Uniti e la Cina. Si tratta di Renato Miracco, tra i curatori della mostra di Morandi al Metropolitan Museum di New York nel 2008, e Lorenzo Balbi, direttore (dal 2017 al 2026) del Museo Morandi e curatore della mostra Giorgio Morandi. Solo a Shangai, attualmente in corso. Un territorio quello asiatico in cui la Galleria d’Arte Maggiore g.a.m. è stata pioniera del mercato di Morandi.

 

Il volume – arricchito dai contributi di autorevoli studiosi – invita il lettore a entrare in questo dialogo, a lasciarsi guidare da due voci diverse ma sorprendentemente affini e a scoprire come la pittura, quando si spoglia del superfluo, possa diventare un’esperienza di ascolto profondo e di rivelazione interiore.

Le opere di Giorgio Morandi e di Mark Rothko sembrano riconoscersi da lontano, come se condividessero una lingua segreta fatta di silenzi, attese e risonanze interiori. Una natura morta che diventa meditazione e un campo di colore che diventa presenza rivelano un gesto comune: togliere, sottrarre, ridurre, fino a far emergere ciò che resta quando tutto il superfluo scompare. La loro affinità non sta nelle forme, ma nell’intenzione: cercare un’essenza che non è oggetto né colore, ma una condizione dell’essere.

La pittura è un linguaggio naturale tanto quanto il canto e la parola. È un modo di produrre una testimonianza visibile della nostra esperienza – visiva o immaginativa –, alterata dai nostri stessi sentimenti e dalle nostre reazioni, e che si manifesta con la stessa spontaneità e immediatezza del canto o della parola.

Mark Rothko

Si può viaggiare per il mondo e non vedere nulla. Per raggiungere la comprensione è necessario non vedere molte cose, ma guardare attentamente ciò che vedi.

Giorgio Morandi

Sono convinto [...] che esista un terreno comune fondamentale per quanto riguarda non solo l’approccio ma anche gli obiettivi di questi due artisti, che pur non essendosi, forse, mai incontrati, hanno perseguito con uguale ostinazione percorsi paralleli alla ricerca di qualcosa che andasse oltre l’aspetto di ciò che dipingevano.

Christopher Rothko

In questo percorso scopriremo un Rothko “diverso”, e capiremo molto di più della sua genesi, per molti insospettabile. Il rapporto con Morandi diventa così un processo metodologico non di mero confronto di opere ma ci aiuterà a scoprire delle dinamiche comuni laddove la pittura non è mai stata una semplice attività creativa, ma piuttosto un processo conoscitivo, qualcosa a cui l’artista partecipa per penetrare nella dimensione dell’insondabile e dell’inesprimibile.

Renato Miracco

L’apparente distanza tra i due artisti cela una prossimità profonda nella tensione verso una pittura essenziale, rarefatta, che non raffigura ma evoca, che non descrive ma allude. A ben vedere, è proprio nel rifiuto dell’ideologismo formale che Morandi e Rothko si toccano, lambendo quella soglia in cui la pittura si fa esperienza interiore, atto meditativo, presagio dell’indicibile.

Lorenzo Balbi

Fondazione Calarota

La Fondazione Franco e Roberta Calarota nasce dall’esperienza di quasi 50 anni di attività di Franco e Roberta Calarota, filantropi ed esperti d’arte, fondatori della Galleria d’Arte Maggiore g.a.m., con sedi a Bologna, Parigi e Venezia, con l’obiettivo di valorizzare e promuovere la cultura e l’arte.

Innumerevoli le collaborazioni con istituzioni internazionali tra cui il Metropolitan di New York, il Musée d’Art Moderne di Parigi, il Museo Nacional Reina Sofía di Madrid, e le produzioni di mostre pubbliche che precedentemente li hanno visti non solo realizzare mostre per musei importanti come la Phillip Collection di Washington DC, la Estorick Collection of Modern Italian Art di Londra, il Museo di Palazzo Fortuny o il monumento dedicato alla Ferrari davanti all’autodromo “Enzo e Dino Ferrari” a Imola, ma anche gestire per dieci anni Palazzo dei Sette a Orvieto e produrre una decina di mostre per il MIC - Museo Internazionale della Ceramica di Faenza invitando diversi artisti a produrre le loro opere nelle botteghe storiche del territorio.

Del 2019 è la nascita di una realtà istituzionale ACP – Palazzo Franchetti a Venezia dove la Fondazione Calarota ha realizzato importanti esposizioni come quelle dedicate al Novecento con Giorgio Morandi, Giorgio de Chirico, René Magritte, Joan Mirò, a monografiche di Jean Dubuffet, Massimo Campigli, Kengo Kuma e Lee Miller.

ESTAMPIDA HUMANA, 13 e 14 novembre 2026 al Nuovo Teatro Ateneo

Premiato come migliore opera del 2025 dal Círculo de Críticos de Arte de Chile, lo spettacolo arriva per la prima volta a Roma dopo il debutto nazionale al Teatro Kursaal di Bari e inaugura ufficialmente il cartellone teatrale della stagione 2026/2027 del Nuovo Teatro Ateneo.

Attraverso tre storie ambientate nel Cile contemporaneo, Estampida Humana indaga, con una scrittura che intreccia assurdo, ironia e paradosso, la crisi dei legami comunitari, la paura e le contraddizioni della convivenza civile.

Il 13 e 14 novembre 2026, alle ore 20.30, il Nuovo Teatro Ateneo ospita Estampida Humana, produzione della compagnia cilena Bonobo, nell’ambito della stagione 2026/2027. Scritto da Pablo Manzi e diretto dallo stesso Manzi insieme ad Andreína Olivarí, lo spettacolo vede in scena Carlos Donoso, Paulina Giglio, Gabriel Cañas, Gabriel Urzúa, Cristian Carvajal e Coca Guazzini. Estampida Humana sarà in scena per la prima volta a Roma, dopo il debutto nazionale del 10 e 11 novembre 2026 al Teatro Kursaal di Bari. In lingua spagnola con i sopratitoli in italiano, consigliato ad un pubblico dai 16 anni in su, il lavoro si colloca nel solco di una drammaturgia contemporanea che utilizza il paradosso, l'assurdo e l'ironia per interrogare le contraddizioni della società cilena e, più ampiamente, le forme della convivenza civile, la crisi dei legami comunitari e la difficoltà di costruire un orizzonte collettivo in un presente segnato dalla paura e dalla conflittualità. Lo spettacolo inaugura ufficialmente il cartellone teatrale della stagione 2026/2027 del Nuovo Teatro Ateneo, aprendo il programma con uno sguardo internazionale sulla drammaturgia contemporanea.

Bonobo è oggi una delle compagnie cilene di maggiore proiezione internazionale e il lavoro di Manzi si colloca tra le esperienze più interessanti della drammaturgia cilena contemporanea: una ricerca costruita nel tempo intorno alla crisi dei legami comunitari, alla violenza, all’esclusione e alle contraddizioni della democrazia, attraverso una scrittura che fa dell’assurdo, dell’ironia e dello spaesamento i propri dispositivi scenici.

Estampida humana, premiata come migliore opera del 2025 dal Círculo de Críticos de Arte de Chile, porta questa ricerca dentro il Cile contemporaneo attraverso tre storie sulla progressiva erosione della fiducia e sulla difficoltà di immaginare ancora un progetto collettivo.

La rappresentazione è co-commissionato e sostenuto da The Democracy Cycle, un programma del Perelman Performing Arts Center | PAC NYC e della Civis Foundation, grazie al sostegno di IILA – Organizzazione Internazionale Italo-Latino Americana, in collaborazione con il Festival Internazionale Santiago a Mil (Cile).

Sinossi

L’acutezza dello sguardo, l’assurdo e il senso di disagio attraversano questo spettacolo, che indaga la trasformazione dei legami sociali, della vita comunitaria e degli spazi pubblici in luoghi percepiti come minacciosi, esposti al pericolo e alla violenza.

Cile, 2025. Un’assemblea di quartiere è chiamata a decidere come affrontare la presenza di un gruppo di persone senza dimora che ha occupato la piazza del rione. Un negozio di arredamento e complementi per la casa è sull’orlo del fallimento e ha bisogno di un miracolo per evitare la chiusura. Una frangia clandestina di sinistra, infiltrata all’interno dei Carabineros, la polizia cilena, tenta di compiere il suo primo attentato per rendere pubblica la propria adesione al progetto di trasformazione del Paese.

Da queste tre vicende prende forma uno spettacolo che interroga la paura, la violenza e la disperazione che emergono quando ci si confronta con la possibilità di immaginare e realizzare un progetto collettivo su larga scala in Cile.

Biografia dei registi

Pablo Manzi e Andreína Olivarí, con il collettivo BONOBO hanno creato gli spettacoli Donde Viven los Bárbaros, Tú Amarás e Temis. Le produzioni di BONOBO sono state rappresentate in Giappone, Italia, Paesi Bassi, Perù, Germania, Spagna, Messico, Brasile, Belgio, Stati Uniti, Svezia, Regno Unito e Cile. Il collettivo ha inoltre realizzato residenze artistiche e workshop presso il Baryshnikov Arts Center di New York (Stati Uniti), la Triennale di Milano (Italia), MITSP (Brasile), Checoeslovaquia (Cile) e In Teatro Villa Nappi (Italia).

Premi e riconoscimenti

Premio del Círculo de Críticos de Arte, conferito in due occasioni.

Premio della Critica, Premio del Pubblico e Premio per la Migliore Interpretazione al Tokyo Festival World Competition 2019.

Premio José Nuez Martín della Facoltà di Lettere della Pontificia Universidad Católica de Chile.

Premio della Municipalità di Santiago.

Premio Letterario Nazionale del Consiglio della Cultura, tra gli altri riconoscimenti.

Evento patrocinio Comune di Bacoli

La Scuola Popolare di Lingua e Cultura Napoletana, col patrocinio del Comune di Bacoli, presenta ed invita la cittadinanza a due giornate di cultura.

LEZIONI DI NAPOLETANO, come evitare gli errori ortografici più comuni

Sabato 14 e sabato 21 novembre 2026, alle ore 11 presso la Casa della Cultura “Michele Sovente”,  il tutor, Davide Brandi, ci accompagnerà in un suggestivo viaggio culturale che coniuga storia, territorio e lingua, utile per comprendere le nostre radici dialettali ed evitare dunque gli errori ortografici più comuni della lingua napoletana.

Ingresso LIBERO e GRATUITO sino ad esaurimento dei posti nella sala.

Informazioni come da locandina.

Scuola di lingua napoletana

Napoli

Tel.: +39 3318923006

A Nola il convegno su “Ottant’anni dall’Assemblea Costituente” a cura della Fondazione Aristide La Rocca

Si terrà mercoledì 11 novembre 2026, alle ore 17.30, presso il Salone dei Medaglioni della Curia Vescovile di Nola, il seminario di studio dal titolo «Ottant’anni dall’Assemblea Costituente. Percorsi a partire dai Padri costituenti del territorio».

L’evento è promosso dalla Fondazione Aristide La Rocca in collaborazione con la Scuola di Alti Studi sul Parlamento e i Processi di Governo (SASP) dell’Università degli Studi di Napoli Federico II, con il patrocinio delle principali istituzioni civili, religiose e accademiche del territorio.

L’iniziativa intende approfondire le radici storiche e giuridiche della Carta fondamentale italiana, ponendo un focus sul contributo offerto dai Padri costituenti legati al territorio campano e nolano.

I lavori si apriranno con l’introduzione della Prof.ssa Amelia La Rocca, Presidente della Fondazione Aristide La Rocca, e con i saluti delle autorità locali e dei dirigenti scolastici.

Seguiranno i contributi di carattere scientifico affidati a due relatori d’eccezione: il professore Francesco Bonini, ordinario di Storia delle istituzioni politiche e Rettore dell'Università di Roma LUMSA e dal professore Umberto Ronga, Ordinario di Diritto costituzionale e pubblico presso l'Università Federico II e Direttore della SASP.

Ampio spazio sarà dedicato al coinvolgimento delle giovani generazioni. La sessione centrale del convegno vedrà infatti protagonisti gli studenti del Liceo classico e scientifico "G. Carducci", del Liceo "Albertini" e dell'ITCG "Masullo-Teti" di Nola, chiamati a condividere le proprie riflessioni sul valore e l'attualità dei principi costituzionali nella società contemporanea.

Acerra, una guida accessibile per il Museo di Pulcinella, coinvolti anche ragazzi con autismo

3 musei puntano su una cultura più accessibile: guide facilitate e formazione del personale renderanno il loro patrimonio culturale più inclusivo: il progetto di Museo per tutti, realizzato da L’abilità ETS con il contributo di Fondazione KPMG Italia ETS.

Un museo è davvero accessibile quando non si limita ad aprire le proprie porte, ma mette ogni persona nelle condizioni di comprendere ciò che custodisce e racconta. È questo il principio che ispira l’impegno di Museo per tutti, ideato nel 2015 da L’abilità ETS per rendere i musei accessibili alle persone con disabilità intellettiva. Un’iniziativa che, grazie al contributo di Fondazione KPMG Italia ETS, amplia il proprio intervento a tre luoghi della cultura da nord a sud: il Museo Etrusco di Populonia – Collezione Gasparri, a Piombino (Livorno), il Museo delle Maschere Mediterranee di Mamoiada (Nuoro) e il Museo di Pulcinella del Folklore e della Civiltà Contadina di Acerra (Napoli). 

Rendere un museo accessibile vuol dire aiutare le persone a orientarsi negli spazi, comprendere le particolarità e riconoscere il significato degli oggetti e delle tradizioni di cui sono testimonianza. Per raggiungere questo obiettivo, Museo per tutti interviene su più fronti: sviluppa strumenti di supporto alla visita, forma il personale museale e promuove il coinvolgimento delle realtà del Terzo settore presenti nei territori, affinché l’accessibilità diventi parte integrante dell’esperienza culturale.

“Questo progetto nasce da un'esperienza di volontariato aziendale che ha fatto incontrare KPMG e Museo per tutti”, racconta Laura Borghetto, direttrice generale di L’abilità ETS. “Da quel primo passo è nata una sinergia profonda, alimentata dall'impegno di Fondazione KPMG Italia ETS per l'accessibilità culturale. Un sostegno fondamentale che ci ha permesso di lavorare con tre musei molto diversi, valorizzandone le specificità attraverso strumenti pensati per facilitare la fruizione e la comprensione delle opere. Per noi, rendere accessibile la cultura significa proprio questo: mettere ogni persona nelle condizioni di avvicinarsi al patrimonio culturale, comprenderlo e sentirsi parte della sua esperienza”.

 “La fruizione culturale è una necessità e un diritto che appartiene a tutti noi, ognuno con le proprie specificità, ciò che ci permettere di vivere e abitare la nostra comunità”, dice Lorenzo Pestellini, Segretario Generale della Fondazione KPMG Italia ETS. “Il progetto di L’abilità ETS si inserisce perfettamente e coerentemente con la nostra mission di stimolo alla ricchezza educativa: la cultura diffusa, la considerazione delle fragilità, l’attenzione a luoghi lontani da contesti metropolitani, talvolta meno conosciuti e bellissimi, tutti elementi che reputiamo fondamentali per la costruzione di una comunità coesa e ugualmente aperta”.

Muovendo dalle caratteristiche delle singole collezioni, il progetto di accessibilità ha portato alla creazione di guide in linguaggio ETR (Easy to Read) e con i simboli della CAA (Comunicazione Aumentativa Alternativa), affiancate da contenuti di approfondimento e nuovi strumenti informativi. 

A Populonia nel livornese, si è infatti scelto di sperimentare una nuova forma di materiale accessibile che approccia i reperti archeologici in modo più narrativo e meno didattico. Il racconto della giornata tipo di Venel, un bambino etrusco e della sua famiglia è il primo nel suo genere ad essere elaborato da Museo per tutti. Alla sua storia segue una raccolta di schede più tecniche, dove si forniscono informazioni sui principali oggetti utilizzati dai personaggi e che possono essere visti direttamente nel Museo.

Al Museo delle Maschere Mediterranee di Mamoiada (Nuoro), i rituali carnevaleschi, tipici del mondo rurale e agropastorale, tracciano una via comune che dall'entroterra sardo porta fino all'Europa. In questa scoperta di tradizioni e società locali, il visitatore è supportato da schede descrittive delle maschere più importanti e cartine geografiche semplificate che aiutano a individuarne la provenienza. Un luogo di scoperta e soprattutto di comunione tra i popoli.

Ad Acerra (Napoli), la scoperta dei vari volti di Pulcinella e del suo ruolo nella storia e nella cultura partenopea passa da schede tematiche dedicate al cibo, alla religione e al teatro. I contenuti sono stati ideati e realizzati da un’équipe inclusiva, con la partecipazione attiva di persone con disabilità intellettiva.

Nei tre musei, il lavoro dell’équipe di Museo per tutti ha affiancato alla realizzazione dei materiali accessibili la formazione degli operatori museali, affinché possano accogliere e accompagnare i visitatori tenendo conto delle loro esigenze di comprensione. 

Il progetto ha previsto inoltre la mappatura delle realtà del Terzo settore attive nei territori, con l’obiettivo di coinvolgerle nel processo di validazione delle guide accessibili. In questo contesto si inserisce la collaborazione con la Cooperativa Sociale Il Tulipano di Napoli, che ha visto il coinvolgimento diretto di alcuni ragazzi con autismo che frequentano l’associazione nella redazione delle guide accessibili del Museo di Acerra.

Le guide saranno disponibili per la consultazione e il download su https://www.museopertutti.org/elenco-musei/ e sui siti dei singoli musei.

Questo lavoro si inserisce nell’impegno di Museo per tutti per favorire una partecipazione più ampia alla vita culturale. Perché l’accessibilità non riguarda soltanto la possibilità di visitare un luogo, ma anche quella di comprenderne i contenuti e viverne pienamente l’esperienza.