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lunedì 9 novembre 2026

VENERDI' 13 NOVEMBRE 2026 BIRRART FEST AL CAM: ARTE, MUSICA E CREATIVITÀ SI INCONTRANO TRA LE NUOVE ETICHETTE D’AUTORE DI KBIRR - CONCERTO DI VESUVIANO

Venerdì 13 novembre 2026, a partire dalle ore 21.30, il CAM – Casoria Contemporary Art Museum si trasforma in un palcoscenico di contaminazioni creative con BirrArt Fest, una serata multidisciplinare che mette in dialogo arte, laboratori creativi di pittura, musica e DJ set.

L’iniziativa si accompagna alla presentazione di due nuove birre artigianali di Kbirr, azienda napoletana fondata da Fabio Ditto, da sempre attenta alle realtà artistiche del territorio, che traduce in una forte e riconoscibile identità visiva. La già ricca collezione di etichette d’autore si amplia con Nina: mitologia, romanticismo, Vesuvio, mare e identità napoletana e
Luna Caprese: emozione autentica, famiglia, eleganza e magia di Capri, realizzate su disegno di
Clelia Le Boeuf.
Saranno proprio le opere dell’artista, illustratrice e visual artist napoletana a essere protagoniste di un’esposizione negli spazi del museo di Casoria, che rinnova così la propria vocazione alla sperimentazione e al dialogo tra linguaggi differenti. Il percorso espositivo si sviluppa attraverso un universo visivo pop, animato da un immaginario poetico e ironico, nel quale simboli e riferimenti della cultura popolare vengono reinterpretati con uno sguardo critico e contemporaneo.
Il programma musicale vedrà protagonista
Vesuviano, cantautore partenopeo che fonde la tradizione musicale napoletana con sonorità hip hop, rap, soul, R&B e trap, dando vita a un linguaggio sonoro personale, arricchito da contaminazioni d’autore.
Accanto a lui,
Radici, collettivo artistico che riunisce musicisti, artisti e visionari, proporrà un intervento performativo dal vivo, dedicato alla ricerca espressiva e al rapporto con le matrici culturali del territorio.
A chiudere la serata sarà il DJ set di
Pappel_G, negli spazi dell’EXIT, il Concept Bar del CAM, dove musica e convivialità accompagneranno il finale dell’evento.

Vesuviano, nome d’arte di Carmine Lauretta, nasce a Cercola nel 1994 e cresce a Giugliano. Si avvicina alla musica all’età di dodici anni, intraprendendo lo studio del flauto traverso. A tredici anni inizia a esibirsi sui primi palchi e nei teatri, entrando a far parte di diversi gruppi dediti alla musica popolare napoletana.
Nel 2010 fonda la band hard rock-metal L.A.M.F., con la quale propone un repertorio che alterna brani inediti e cover fino al 2013, anno in cui entra nel Coro Giovanile del Teatro di San Carlo di Napoli. Per questa esperienza compone il suo primo brano in lingua italiana e napoletana, Figlio ‘e n’eruzione.
Nel 2018 dà vita a Gli AbCordis, formazione dedicata al folk napoletano, attiva fino alla prima quarantena del 2020, periodo in cui prende forma il progetto solista Vesuviano.
Tra le sue principali influenze musicali figurano Roberto Colella, Enzo Avitabile e Pino Daniele, riferimenti che si intrecciano con un immaginario personale, originale ed eclettico, contribuendo alla definizione della sua identità artistica.

Radici: Associazione Culturale Radici Festival* è una realtà culturale napoletana che promuove la valorizzazione del patrimonio storico, artistico e folkloristico attraverso il teatro, le arti performative e la progettazione di esperienze immersive. L’associazione crea occasioni di incontro e partecipazione, intrecciando tradizione e contemporaneità per riscoprire, reinterpretare e raccontare l’identità dei territori e delle loro comunità.

Ingresso con contributo associativo € 7

Info e prenotazioni: +39 3332972239


CAM MUSEUM Via Calore sic, Casoria, Napoli www.casoriacontemporaryartmuseum.com


Chiusura Capodichino a Napoli, quali tutele per chi aveva prenotato il volo dall'aeroporto della città?

Panichi: «È ragionevole chiedere alla compagnia il rimborso del bus o del taxi».Diritto di Volo: chi non accetta il cambio di scalo può chiedere un altro volo o il rimborso del biglietto. Niente indennizzo da 250 a 600 euro per la sola variazione d'aeroporto, salvo ritardi oltre le tre ore.

«Il Regolamento europeo 261/2004 non disciplina espressamente lo spostamento programmato di un volo su un altro aeroporto. La Corte di giustizia dell'Unione europea ha però già affrontato il caso analogo del volo dirottato su uno scalo della stessa area, e ha stabilito che le spese di trasferimento verso l'aeroporto originario sono a carico della compagnia. Per analogia, chi oggi parte da Salerno anziché da Napoli può ragionevolmente chiedere almeno il rimborso del bus o del taxi». Marco Panichi, avvocato esperto di diritto del turismo di Diritto di Volo, interviene così sui disagi dei passeggeri dopo la chiusura dell'aeroporto di Capodichino.

Lo scalo partenopeo resta chiuso dal 1° al 30 novembre per i lavori di manutenzione della pista. Circa un terzo del traffico si è trasferito all'aeroporto di Salerno Costa d'Amalfi, che in 48 ore ha accolto circa 3.500 passeggeri, con qualche difficoltà legata al maltempo. Il resto si è spostato verso Roma, e ITA Airways ha sostituito con autobus i collegamenti tra Fiumicino e Capodichino. Per chi parte da Salerno restano i problemi pratici. Lo scalo dista circa 70 chilometri dal centro di Napoli, e la navetta Busitalia costa 12 euro a tratta ed è riservata a chi ha un titolo aereo valido.

«La compagnia può cambiare aeroporto se la chiusura rende impossibile operare da quello originario, ma deve comunicarlo in modo tempestivo e chiaro», precisa Panichi. «Se la variazione cambia sostanzialmente il viaggio, il passeggero può chiedere di essere trasferito su un altro volo oppure il rimborso del biglietto. La prima verifica riguarda la mail ricevuta dal vettore e il codice aeroportuale indicato: NAP corrisponde a Capodichino, QSR a Salerno».

Quanto alla compensazione pecuniaria, il legale distingue i casi. «Il regolamento prevede da 250 a 600 euro per una cancellazione comunicata con meno di 14 giorni di preavviso o per un ritardo all'arrivo superiore alle tre ore. Secondo la Corte, il semplice cambio di aeroporto non dà diritto alla compensazione, salvo che il ritardo superi proprio quella soglia. La chiusura di Capodichino era annunciata da mesi, quindi chi è stato avvisato per tempo difficilmente avrà diritto a un indennizzo. Ai voli cancellati senza preavviso o con una riprotezione tardiva si applica invece la regola generale».

Per far valere un diritto negato, il primo passo è un reclamo scritto alla compagnia. «Biglietti e ricevute del trasferimento vanno conservati e allegati insieme alla prenotazione e alle comunicazioni ricevute dal vettore», conclude Panichi. «Se entro una quindicina di giorni non arriva risposta, ci si può rivolgere a un legale».




sabato 7 novembre 2026

TeatroBasilica, il 12-14 novembre 2026 Il paese dove non si muore mai

Il paese dove non si muore mai, in scena al TeatroBasilica dal 12 al 14 novembre 2026, spettacolo diretto da Alessandro Argnani e Damiano Grasselli e ispirato alle Fiabe Italiane di Italo Calvino.

Una fiaba afro-italiana che, attraverso il viaggio di una giovane donna alla ricerca del paese dove non si muore mai, intreccia culture e tradizioni narrative diverse per interrogarsi, tra ironia e poesia, sulla paura della morte.

Dal 12 al 14 novembre 2026 il TeatroBasilica di Roma ospita Il paese dove non si muore mai, spettacolo diretto da Alessandro Argnani e Damiano Grasselli, ispirato alle Fiabe Italiane di Italo Calvino. Attraverso una contaminazione afro-italiana, la storia di una giovane donna in viaggio alla ricerca di un luogo in cui la morte non esiste diventa un racconto poetico e ironico sulla paura più universale dell'essere umano. In scena Alice Cottifogli, Fallou Diop, Adama Gueye e Moussa Ndiaye. Al termine di ogni replica è previsto un appuntamento del progetto di incontri «Per un teatro transnazionale».

Il paese dove non si muore mai è uno spettacolo costruito attorno alle Fiabe Italiane di Italo Calvino.
Nella contaminazione afro-italiana, la storia si sviluppa attraverso la figura di una giovane toubab (termine senegalese per indicare “i bianchi”) che rifiutandosi di accettare la morte decide di intraprendere un viaggio verso il paese che dà il titolo allo spettacolo.
Nel viaggio la giovane incontra insoliti saggi che tra momenti di ilarità ed altri di malinconica poesia le propongono alternative di longevità. Questi saggi vengono da "un altro mondo", che è l'Africa, ma anche l'Altrove perché questa fiaba si svolge nel tempo del sogno, che è ponte tra mondo e storie. Perché la paura che ci accomuna tutti è una sola: quella che spesso non riusciamo neanche a nominare.
Al termine di ciascuna replica si svolgerà il progetto di incontri "Per un teatro transnazionale", per scoprire il programma completo
https://drive.google.com/file/d/1I2BueDvXpUb1XDTFEUyE2ZaR8j0A9lVh/view?usp=share_link


INFORMAZIONI
Il “TeatroBasilica” è diretto dall'attrice Daniela Giovanetti e dal regista Alessandro Di Murro. L’organizzazione è a cura del collettivo Gruppo della Creta e di un team di artisti e tecnici. Supervisione artistica di Antonio Calenda. Ulteriori info sul TeatroBasilica sono reperibili a questo link: https://www.teatrobasilica.com/chi-siamo

Orari:
Dal lunedì al venerdì ore 21 - sabato ore 19:30 - domenica ore 16:30
Il botteghino è aperto un’ora prima dell’inizio di ciascun evento
Orari:
12 e 13 novembre 2026 ore 19
14 novembre 2026 ore 17

Prezzi: 
Biglietto intero € 18
Biglietto online € 15
Biglietto ridotto operatori € 15
Biglietto ridotto under 26 e convenzioni* € 10
Carnet 7 spettacoli € 70
*Per attivare una convenzione con il TeatroBasilica e riservare i biglietti ridotti a studenti e studentesse delle accademie/scuole/università, mandare una richiesta a info@teatrobasilica.com

Dove siamo:
Piazza di Porta San Giovanni 10, Roma
www.teatrobasilica.com
email: info@teatrobasilica.com
telefono: +39 392 9768519
Link utili
Sito https://teatrobasilica.com/
Facebook https://www.facebook.com/TeatroBasilica
Instagram https://www.instagram.com/teatrobasilica/

Da giovedì 12 novembre 2026 al via "Open Sound 2026" prima edizione della rassegna che esplora le nuove traiettorie della musica contemporanea, al Teatro Nuovo di Napoli


Dare spazio alla musica che ricerca, sperimenta e attraversa i generi, valorizzando le voci più interessanti della scena indipendente e d'autore. Nasce con questo spirito Open Sound 2026, il nuovo progetto del Teatro Pubblico Campano dedicato alla musica dal vivo, una piattaforma eclettica che mette in relazione talenti campani e protagonisti del panorama nazionale attraverso la rete GlocalSound.

La prima edizione, in programma al Teatro Nuovo di Napoli con tre appuntamenti da novembre a gennaio, propone un percorso musicale che dal jazz arriva al cantautorato, passando per le sonorità alternative e la sperimentazione.

Con Open Sound 2026, il Teatro Pubblico Campano amplia il proprio orizzonte culturale e apre una nuova finestra sulla musica dal vivo, riconoscendone il ruolo centrale nella costruzione di esperienze artistiche e occasioni di confronto.

Il progetto nasce con l'obiettivo di valorizzare le energie creative del territorio campano e del panorama nazionale, sostenendo tanto le produzioni emergenti quanto gli artisti già affermati e promuovendo una visione della musica come luogo di incontro, ricerca e condivisione.

Open Sound 2026 nasce, infatti, con l'ambizione di creare uno spazio di incontro tra artisti, pubblico e operatori culturali, dove la musica diventa occasione di confronto, scoperta e condivisione.

Ad aprire il programma, giovedì 12 novembre 2026 alle ore 21, saranno i Fanali, che presenteranno in anteprima live assoluta il nuovo mini album Nu veleno ch’è doce.

Il collettivo napoletano, composto da Caterina Bianco (voce e synth), Michele De Finis (chitarre, basso e programming) e Jonathan Maurano (batteria), porta avanti una ricerca che intreccia musica e immagine, tradizione e sperimentazione, rileggendo il patrimonio della canzone napoletana attraverso le atmosfere del trip-hop, del post-rock e dello shoegaze.

Il nuovo lavoro, che vede la collaborazione di Manuel Agnelli nel singolo Passione, rappresenta il capitolo conclusivo di un percorso di reinvenzione della canzone partenopea avviato con il precedente album Nun me scetà.

Un'identità artistica costruita nel tempo attraverso un approccio multidisciplinare e la collaborazione con l'artista visuale Sabrina Cirillo e il sound engineer Antonio Dafe. Nati dall'incontro artistico tra i tre musicisti, i Fanali si muovono nel solco di esperienze come Calibro 35, C’mon Tigre e Julie’s Haircut, con l'obiettivo di realizzare una vera e propria «musica per immagini».

Il secondo appuntamento, mercoledì 23 dicembre 2026 alle ore 21, vedrà protagonista il PS5 – Pietro Santangelo 5tet con Baccanalia, un progetto musicale che fa della contaminazione e della convivenza tra linguaggi differenti il proprio principio ispiratore. Dopo la pubblicazione di Unconscious Collective (2021) ed Echologia (2024), entrambi usciti per l'etichetta Hyperjazz, la formazione presenta il nuovo EP Baccanalia (2026), pubblicato dalla neonata etichetta napoletana Cafe Saphora Records.

Il disco è una raccolta di danze visionarie che si ispirano all'immaginario della cultura classica, evocando attraverso ritmi pulsanti e canti rituali danze di guerra, cortei di satiri e riti di passaggio e trasformazione. Ne scaturisce un viaggio sonoro intenso, nel quale il jazz contemporaneo dialoga con suggestioni ancestrali, dando vita a un'esperienza musicale che coinvolge il corpo e la dimensione più evocativa dell'ascolto. Le trame dei sassofoni si sviluppano su una solida struttura ritmica, lungo una linea immaginaria che mette in relazione le radici musicali africane e mediterranee.

La ricerca del quintetto parte dall'idea di biodiversità come metafora culturale: proprio come in un ecosistema naturale, elementi apparentemente distanti contribuiscono a costruire un equilibrio dinamico e vitale. Una visione che si traduce in una musica aperta, plurale, in cui multiculturalismo significa innanzitutto convivenza.

Accanto a Pietro Santangelo, al sax tenore e soprano, flauto, voci, fujara e percussioni addizionali, il quintetto riunisce Paolo Batà Bianconcini alle congas e allo shekerè, Giuseppe Giroffi al sax alto e baritono, Vincenzo Lamagna alla chitarra basso e Salvatore Rainone alla batteria.

A chiudere la prima edizione di Open Sound 2026 sarà, sabato 9 gennaio 2027 alle ore 21, Federico Di Napoli, cantautore originario di Aversa, in provincia di Caserta, protagonista di Concerto a teatro. La sua musica affonda le radici nell'R&B degli anni Duemila, ma si sviluppa attraverso un percorso personale che attraversa il pop e le sonorità urban contemporanee, senza rinunciare alla contaminazione.

Dopo il singolo d'esordio Macigno, tra il 2018 e il 2019 pubblica sei brani, tra cui Da mezzanotte in poi, conquistando progressivamente l'attenzione del pubblico e il sostegno della scena musicale napoletana. Nel suo percorso si inseriscono collaborazioni con artisti come Samurai Jay, Livio Cori e Peppe Soks, mentre brani come Mare 'e Bucìe (feat. Livio Cori), Tutto Come Prima e Scuro gli consentono di raggiungere anche la copertina della playlist editoriale Anima R&B.

La dimensione digitale e i social network rappresentano un ulteriore spazio di espressione e relazione con il pubblico, contribuendo alla crescita del suo progetto artistico Un percorso in continua evoluzione, che restituisce l'immagine di un artista interessato a superare le definizioni di genere e a concepire la musica come uno spazio libero, senza etichette, limiti o confini.

Open Sound 2026 inaugura un nuovo percorso dedicato alla musica dal vivo e alle sue molteplici possibilità espressive. Un'occasione per esplorare le trasformazioni della scena contemporanea, valorizzare le esperienze artistiche del territorio e costruire un dialogo aperto tra Napoli e il panorama musicale nazionale.

Open Sound 2026 - I Edizione

12 novembre 2026 ˃ 9 gennaio 2027

Teatro Nuovo Napoli - Via Montecalvario, 16

Info e prenotazioni 0814976267, botteghino@teatronuovonapoli.it

venerdì 6 novembre 2026

PRESENTAZIONE 16 novembre 2026 GIORGIO MORANDI MARK ROTHKO da un progetto di Franco Calarota a cura di Renato Miracco e Lorenzo Balbi, prefazione di Christopher Rothko

La Fondazione Calarota presenta un dialogo inedito, ma anche lo sviluppo di una possibile mostra, tra due figure fondamentali della storia dell’arte: Giorgio Morandi e Mark Rothko.

La forma scelta per avventurarsi in questo percorso narrativo, visivo e concettuale dai risvolti sorprendenti è quella di un volume di 304 pagine che concretizza un’appassionata riflessione di Franco Calarota, fondatore di ACP Palazzo Franchetti a Venezia e della Galleria d’Arte Maggiore g.a.m. Un’intuizione che Franco Calarota matura nella convinzione che, al di là delle evidenti differenze di geografia, stile e temperamento, i due grandi artisti condividessero una profonda vicinanza spirituale, fatta di silenzio, luce e tensione interiore.



Un dialogo quello tra Giorgio Morandi e Mark Rothko, costruito attraverso una selezione ideale di opere e di concetti e per questo raccontato come una mostra. E proprio perché una mostra necessita di uno o più curatori, Roberta Perazzini Calarota e sua figlia Alessia Calarota - rispettivamente presidente e vicepresidente della Fondazione Calarota - hanno affidato questo inedito percorso a due professionisti che hanno operato in contesti espositivi di rilievo internazionale, agli estremi opposti del panorama artistico contemporaneo: gli Stati Uniti e la Cina. Si tratta di Renato Miracco, tra i curatori della mostra di Morandi al Metropolitan Museum di New York nel 2008, e Lorenzo Balbi, direttore (dal 2017 al 2026) del Museo Morandi e curatore della mostra Giorgio Morandi. Solo a Shangai, attualmente in corso. Un territorio quello asiatico in cui la Galleria d’Arte Maggiore g.a.m. è stata pioniera del mercato di Morandi.



 

Il volume – arricchito dai contributi di autorevoli studiosi – invita il lettore a entrare in questo dialogo, a lasciarsi guidare da due voci diverse ma sorprendentemente affini e a scoprire come la pittura, quando si spoglia del superfluo, possa diventare un’esperienza di ascolto profondo e di rivelazione interiore.



Le opere di Giorgio Morandi e di Mark Rothko sembrano riconoscersi da lontano, come se condividessero una lingua segreta fatta di silenzi, attese e risonanze interiori. Una natura morta che diventa meditazione e un campo di colore che diventa presenza rivelano un gesto comune: togliere, sottrarre, ridurre, fino a far emergere ciò che resta quando tutto il superfluo scompare. La loro affinità non sta nelle forme, ma nell’intenzione: cercare un’essenza che non è oggetto né colore, ma una condizione dell’essere.

La pittura è un linguaggio naturale tanto quanto il canto e la parola. È un modo di produrre una testimonianza visibile della nostra esperienza – visiva o immaginativa –, alterata dai nostri stessi sentimenti e dalle nostre reazioni, e che si manifesta con la stessa spontaneità e immediatezza del canto o della parola.

Mark Rothko

Si può viaggiare per il mondo e non vedere nulla. Per raggiungere la comprensione è necessario non vedere molte cose, ma guardare attentamente ciò che vedi.

Giorgio Morandi

Sono convinto [...] che esista un terreno comune fondamentale per quanto riguarda non solo l’approccio ma anche gli obiettivi di questi due artisti, che pur non essendosi, forse, mai incontrati, hanno perseguito con uguale ostinazione percorsi paralleli alla ricerca di qualcosa che andasse oltre l’aspetto di ciò che dipingevano.

Christopher Rothko

In questo percorso scopriremo un Rothko “diverso”, e capiremo molto di più della sua genesi, per molti insospettabile. Il rapporto con Morandi diventa così un processo metodologico non di mero confronto di opere ma ci aiuterà a scoprire delle dinamiche comuni laddove la pittura non è mai stata una semplice attività creativa, ma piuttosto un processo conoscitivo, qualcosa a cui l’artista partecipa per penetrare nella dimensione dell’insondabile e dell’inesprimibile.

Renato Miracco

L’apparente distanza tra i due artisti cela una prossimità profonda nella tensione verso una pittura essenziale, rarefatta, che non raffigura ma evoca, che non descrive ma allude. A ben vedere, è proprio nel rifiuto dell’ideologismo formale che Morandi e Rothko si toccano, lambendo quella soglia in cui la pittura si fa esperienza interiore, atto meditativo, presagio dell’indicibile.

Lorenzo Balbi

Fondazione Calarota

La Fondazione Franco e Roberta Calarota nasce dall’esperienza di quasi 50 anni di attività di Franco e Roberta Calarota, filantropi ed esperti d’arte, fondatori della Galleria d’Arte Maggiore g.a.m., con sedi a Bologna, Parigi e Venezia, con l’obiettivo di valorizzare e promuovere la cultura e l’arte.

Innumerevoli le collaborazioni con istituzioni internazionali tra cui il Metropolitan di New York, il Musée d’Art Moderne di Parigi, il Museo Nacional Reina Sofía di Madrid, e le produzioni di mostre pubbliche che precedentemente li hanno visti non solo realizzare mostre per musei importanti come la Phillip Collection di Washington DC, la Estorick Collection of Modern Italian Art di Londra, il Museo di Palazzo Fortuny o il monumento dedicato alla Ferrari davanti all’autodromo “Enzo e Dino Ferrari” a Imola, ma anche gestire per dieci anni Palazzo dei Sette a Orvieto e produrre una decina di mostre per il MIC - Museo Internazionale della Ceramica di Faenza invitando diversi artisti a produrre le loro opere nelle botteghe storiche del territorio.

Del 2019 è la nascita di una realtà istituzionale ACP – Palazzo Franchetti a Venezia dove la Fondazione Calarota ha realizzato importanti esposizioni come quelle dedicate al Novecento con Giorgio Morandi, Giorgio de Chirico, René Magritte, Joan Mirò, a monografiche di Jean Dubuffet, Massimo Campigli, Kengo Kuma e Lee Miller.

ESTAMPIDA HUMANA, 13 e 14 novembre 2026 al Nuovo Teatro Ateneo

Premiato come migliore opera del 2025 dal Círculo de Críticos de Arte de Chile, lo spettacolo arriva per la prima volta a Roma dopo il debutto nazionale al Teatro Kursaal di Bari e inaugura ufficialmente il cartellone teatrale della stagione 2026/2027 del Nuovo Teatro Ateneo.

Attraverso tre storie ambientate nel Cile contemporaneo, Estampida Humana indaga, con una scrittura che intreccia assurdo, ironia e paradosso, la crisi dei legami comunitari, la paura e le contraddizioni della convivenza civile.

Il 13 e 14 novembre 2026, alle ore 20.30, il Nuovo Teatro Ateneo ospita Estampida Humana, produzione della compagnia cilena Bonobo, nell’ambito della stagione 2026/2027. Scritto da Pablo Manzi e diretto dallo stesso Manzi insieme ad Andreína Olivarí, lo spettacolo vede in scena Carlos Donoso, Paulina Giglio, Gabriel Cañas, Gabriel Urzúa, Cristian Carvajal e Coca Guazzini. Estampida Humana sarà in scena per la prima volta a Roma, dopo il debutto nazionale del 10 e 11 novembre 2026 al Teatro Kursaal di Bari. In lingua spagnola con i sopratitoli in italiano, consigliato ad un pubblico dai 16 anni in su, il lavoro si colloca nel solco di una drammaturgia contemporanea che utilizza il paradosso, l'assurdo e l'ironia per interrogare le contraddizioni della società cilena e, più ampiamente, le forme della convivenza civile, la crisi dei legami comunitari e la difficoltà di costruire un orizzonte collettivo in un presente segnato dalla paura e dalla conflittualità. Lo spettacolo inaugura ufficialmente il cartellone teatrale della stagione 2026/2027 del Nuovo Teatro Ateneo, aprendo il programma con uno sguardo internazionale sulla drammaturgia contemporanea.

Bonobo è oggi una delle compagnie cilene di maggiore proiezione internazionale e il lavoro di Manzi si colloca tra le esperienze più interessanti della drammaturgia cilena contemporanea: una ricerca costruita nel tempo intorno alla crisi dei legami comunitari, alla violenza, all’esclusione e alle contraddizioni della democrazia, attraverso una scrittura che fa dell’assurdo, dell’ironia e dello spaesamento i propri dispositivi scenici.

Estampida humana, premiata come migliore opera del 2025 dal Círculo de Críticos de Arte de Chile, porta questa ricerca dentro il Cile contemporaneo attraverso tre storie sulla progressiva erosione della fiducia e sulla difficoltà di immaginare ancora un progetto collettivo.

La rappresentazione è co-commissionato e sostenuto da The Democracy Cycle, un programma del Perelman Performing Arts Center | PAC NYC e della Civis Foundation, grazie al sostegno di IILA – Organizzazione Internazionale Italo-Latino Americana, in collaborazione con il Festival Internazionale Santiago a Mil (Cile).

Sinossi

L’acutezza dello sguardo, l’assurdo e il senso di disagio attraversano questo spettacolo, che indaga la trasformazione dei legami sociali, della vita comunitaria e degli spazi pubblici in luoghi percepiti come minacciosi, esposti al pericolo e alla violenza.

Cile, 2025. Un’assemblea di quartiere è chiamata a decidere come affrontare la presenza di un gruppo di persone senza dimora che ha occupato la piazza del rione. Un negozio di arredamento e complementi per la casa è sull’orlo del fallimento e ha bisogno di un miracolo per evitare la chiusura. Una frangia clandestina di sinistra, infiltrata all’interno dei Carabineros, la polizia cilena, tenta di compiere il suo primo attentato per rendere pubblica la propria adesione al progetto di trasformazione del Paese.

Da queste tre vicende prende forma uno spettacolo che interroga la paura, la violenza e la disperazione che emergono quando ci si confronta con la possibilità di immaginare e realizzare un progetto collettivo su larga scala in Cile.


Biografia dei registi

Pablo Manzi e Andreína Olivarí, con il collettivo BONOBO hanno creato gli spettacoli Donde Viven los Bárbaros, Tú Amarás e Temis. Le produzioni di BONOBO sono state rappresentate in Giappone, Italia, Paesi Bassi, Perù, Germania, Spagna, Messico, Brasile, Belgio, Stati Uniti, Svezia, Regno Unito e Cile. Il collettivo ha inoltre realizzato residenze artistiche e workshop presso il Baryshnikov Arts Center di New York (Stati Uniti), la Triennale di Milano (Italia), MITSP (Brasile), Checoeslovaquia (Cile) e In Teatro Villa Nappi (Italia).

Premi e riconoscimenti

Premio del Círculo de Críticos de Arte, conferito in due occasioni.

Premio della Critica, Premio del Pubblico e Premio per la Migliore Interpretazione al Tokyo Festival World Competition 2019.

Premio José Nuez Martín della Facoltà di Lettere della Pontificia Universidad Católica de Chile.

Premio della Municipalità di Santiago.

Premio Letterario Nazionale del Consiglio della Cultura, tra gli altri riconoscimenti.


Evento patrocinio Comune di Bacoli

La Scuola Popolare di Lingua e Cultura Napoletana, col patrocinio del Comune di Bacoli, presenta ed invita la cittadinanza a due giornate di cultura.

LEZIONI DI NAPOLETANO, come evitare gli errori ortografici più comuni

Sabato 14 e sabato 21 novembre 2026, alle ore 11 presso la Casa della Cultura “Michele Sovente”,  il tutor, Davide Brandi, ci accompagnerà in un suggestivo viaggio culturale che coniuga storia, territorio e lingua, utile per comprendere le nostre radici dialettali ed evitare dunque gli errori ortografici più comuni della lingua napoletana.

Ingresso LIBERO e GRATUITO sino ad esaurimento dei posti nella sala.
Informazioni come da locandina.

Scuola di lingua napoletana
Napoli
Tel.: +39 3318923006